Corría el año 1987 y Savatage se encontraban en una encrucijada. Después de dos discazos (Sirens y Power of the Night) y un magnífico EP (The Dungeons are Calling), que los había situado en lo más alto de la escena power/heavy metal norteamericana, habían dado un paso en falso con Fight for the Rock, su último disco dónde, presionados por su discográfica, habían coqueteado con el glam metal en busca de un éxito comercial que nunca llegó, dañando en el proceso parte de la credibilidad que tanto les había costado ganarse.
La banda tomó nota de esto y decidió salir a matar con su siguiente LP. Hall of the Mountain King es un disco brutal de heavy metal de la vieja escuela, lleno de riffs memorables, solos abrasivos, estribillos pegadizos y sobre todo, canciones magníficamente compuestas.
También supone el final de una etapa para Savatage, porque a partir de ese momento comenzarían a desarrollar un estilo más sinfónico y progresivo, que terminaría convirtiéndose en una de las señas de identidad de la banda.
El album fue grabado en los Record Plant Studios de New York, con la producción de Paul O’Neill, que consiguió un sonido paradójicamente crudo y pulido al mismo tiempo. El disco no suena sucio, pero tampoco está sobreproducido. Tiene una claridad enorme: cada instrumento ocupa su lugar y, sin embargo, conserva una agresividad casi física. Esa mezcla explica por qué el album sigue sonando tan fresco casi cuarenta años después.
Toda la banda está a un altísimo nivel, pero hay dos componentes que sobresalen sobre el resto. Criss Oliva brilla con luz propia, ya que su trabajo de guitarra es sin duda el eje central de Hall of the Mountain King. El sonido y los riffs de este álbum están entre los mejores que ha dado el heavy metal clásico. Aquí impera la música pegadiza y electrizante que invita a mover la cabeza y corear con el puño en alto. Sus solos virtuosos y melódicos, encajan en cada canción como la pieza faltante de un rompecabezas, pero sin eclipsar al resto de la música. Este album y el siguiente (Gutter Ballet), probablemente sean el momento álgido de Oliva, antes de su trágica muerte en 1993.
La interpretación vocal de Jon Oliva es insuperable, despliega un registro que se mueve entre lo gutural y el alarido desgarrador que encaja a la perfección con la agresividad melódica de este disco. Nunca fue el vocalista más dotado técnicamente, pero al igual que ocurre con Ozzy Osbourne, Dave Mustaine y tantos otros, nadie más habría encajado tan bien con la música de este álbum. Transmite una convicción absoluta en lo que canta; como si realmente creyera que más allá de la frágil estructura de la realidad, existe otra, más oscura y macabra poblada por terrores inimaginables.
Johnny Lee Middleton y Steve “Doc” Wacholz forman una base rítmica contundente y eficaz. Su trabajo siempre está al servicio de las canciones y nunca busca opacar a los hermanos Oliva, sino darles el terreno perfecto para que brillen. La batería de Wacholz sabe alternar potencia y contención según lo requiere cada tema, mientras que el bajo de Middleton aporta el cuerpo necesario para que los riffs de Criss Oliva suenen todavía más sólidos. Juntos mantienen en todo momento el equilibrio entre fuerza y claridad que caracteriza al álbum.
El disco abre con una triada demoledora que no hace prisioneros. El riff inicial de 24 Hrs. Ago te pilla por sorpresa y tu destino está sellado: quedas atrapado en las mazmorras del Rey de la Montaña durante los siguientes cuarenta minutos. Jon Oliva se desgañita como un poseso mientras su hermano Criss salpica todo el tema de solos incendiarios, hasta que, en el minuto 3:25, la canción se detiene por un instante para volver a arrancar con una sección más groovy y otra brillante exhibición de Criss Oliva.
Beyond the Doors of the Dark es el tema más oscuro del disco. Comienza con una intro que podrían haber firmado los Black Sabbath de la era Dio, para desembocar en un riff descomunal que nos arrastra cual Caronte cruzando el río Estigia. La voz de Jon Oliva adquiere tintes dramáticos para dar voz a un personaje consumido por sus propios fantasmas. El doble bombo y los teclados terminan de envolver la canción en una atmósfera inquietante, antes de que Criss Oliva vuelva a demostrar por qué era uno de los guitarristas más innovadores de su generación.
El nivel no baja ni un ápice con Legions, un tema repleto de groove y con un estribillo que invita a ser coreado a pleno pulmón. Jon Oliva juega aquí con dos pistas de voz simultáneas, utilizando registros distintos que crean un efecto tan extraño como impactante. Sin embargo, lo que siempre me atrapa es el segundo solo de guitarra, ya que tiene una carga melódica y emocional extraordinaria. Es de esos solos que, por muchas veces que los escuches, siguen poniendo la piel de gallina.
Strange Wings recupera el lado más melódico que Savatage había explorado en Fight for the Rock, aunque esta vez con una personalidad mucho más definida. Su melodía recuerda inevitablemente a los Scorpions de los años ochenta y posee todos los ingredientes para haber sido un gran single. Un tema muy accesible que demuestra que la banda podía sonar comercial sin renunciar a su identidad. Le sigue Prelude to Madness, una reinterpretación metálica del célebre fragmento En la gruta del rey de la montaña, perteneciente a la música incidental de Peer Gynt, del compositor noruego Edvard Grieg. Este interludio es mucho más importante de lo que parece, ya que empieza a prefigurar el camino sinfónico que seguiría la banda a partir de su siguiente disco. Su introducción posee un aire marcial y amenazante que recuerda al Marte de Gustav Holst, antes de desembocar en la célebre melodía de Grieg y preparar el terreno para la locura que está a punto de desatarse con la canción que da título al disco.
Hall of the Mountain King es el corazón del álbum y el tema que mejor condensa todos los elementos que convirtieron a Savatage en una banda única. Riffs letales y pegadizos, ritmo machacón, interpretación teatral de Jon Oliva, solos relampagueantes, un puente que va acumulando intensidad y un estribillo que se te queda clavado en el cerebro para el resto de tu vida: “Madness reigns in the hall of the mountain king!” Como si todo esto fuera poco, la canción vino acompañada de un videoclip tan delirante como entrañable, convertido hoy en una pequeña pieza de culto para los seguidores de la banda.
The Price You Pay es probablemente el tema más cercano al heavy metal clásico del álbum y también uno de los más pausados, permitiendo a Criss Oliva desplegar todo su repertorio técnico con una colección de solos memorables. Como contrapunto, White Witch acelera el pulso con un auténtico puñetazo de speed metal repleto de grandes riffs y doble bombo. The Last Dawn actúa como un bellísimo interludio acústico que sirve de antesala a otro de los grandes clásicos de la banda: Devastation. Su riff principal parece salido directamente de un álbum setentero de Black Sabbath, mientras Jon Oliva vuelve a ofrecer una interpretación intensa y dramática sobre unas letras de marcado carácter apocalíptico. Lejos de bajar la intensidad, Savatage cierra el álbum con la misma energía con la que lo abrió, rematando así, una colección de canciones difícil de igualar.
Hall of the Mountain King representa la cima de Savatage y una de las grandes cumbres del heavy metal. Cuatro décadas después sigue teniendo una pegada increíble y no importa las veces que lo escuches: tarde o temprano regresarás a los dominios del Rey de la Montaña. Y cuando las puertas se cierren a tu espalda, recordarás por qué este disco sigue siendo una auténtica obra maestra.
La portada original del disco es otro despropósito maravilloso. Otra gran idea ejecutada de manera lamentable, muy en sintonía con absolutamente todo lo que rodeó este álbum.
Después del éxito de Heaven and Hell, Black Sabbath decidieron entrar al estudio otra vez para grabar su continuación y certificar así su resurrección en el mundo del metal. Y lo hicieron con otro puñetazo en la mesa: Mob Rules. Un disco que no tiene nada que envidiar a su predecesor y que en algunos momentos incluso lo supera.
El debut de The Police es un disco lleno de energía y urgencia, donde el punk, el rock y el reggae conviven todavía de forma inestable, casi caótica. La banda aún no ha encontrado del todo su identidad, pero algo empieza a asomar entre las grietas.
En Reggatta de Blanc, The Police parecen encontrar por fin un lenguaje propio. La energía sigue ahí, pero empieza a organizarse; ya no todo es urgencia, ahora hay espacio, intención, respiración. Es el disco donde la banda deja de empujar constantemente hacia delante y comienza a sostener.
Compuesto y grabado bajo presión, Zenyatta Mondatta conserva en su superficie la identidad de la banda, pero deja entrever algo distinto. Las canciones siguen funcionando, incluso brillando en muchos momentos, pero empiezan a aparecer pequeñas desviaciones, como si cada pieza respondiera a una lógica ligeramente distinta.
Inspirado en el libro Ghost in the Machine de Arthur Koestler, este disco presenta a una banda que suena más compacta, más densa… pero también más contenida. La cohesión está ahí, es evidente, aunque transmite una cierta sensación de artificio, como si cada elemento ocupara su lugar sin terminar de integrarse del todo. Cada miembro parece hablar su propio lenguaje, y aun así el resultado funciona.
Con Synchronicity, The Police alcanzan su cima compositiva. Todo suena equilibrado, preciso, casi impecable. Cada elemento ocupa su lugar con una claridad absoluta, como si la banda hubiera encontrado por fin la forma perfecta de su propio lenguaje. Y sin embargo, esa perfección dice tanto de sus capacidades como músicos como de su estado interno: el grupo, en ese momento, ya estaba completamente roto.
Hay discos que aparecen de repente en una lista de reproducción y te obligan a detenerte. Esto me ha pasado esta mañana con Heaven and Hell. En cuanto empezó a sonar recordé por qué este álbum siempre me ha parecido uno de los grandes giros de timón de la historia del heavy metal.
Cuando Countdown to Extinction fue editado en julio de 1992, Megadeth venía de haber entregado uno de los discos más técnicos y reverenciados de la historia del thrash: Rust in Peace (1990). La pregunta era inevitable: ¿cómo continuar después de semejante cima? Dave Mustaine lo tenía claro. En plena era MTV y tras el terremoto del Black Album de Metallica, decidió dar un paso hacia un sonido más directo y accesible, pero sin perder filo ni discurso. El resultado fue el mayor éxito comercial de su carrera, un álbum que llegó al número 2 de Billboard y los consolidó como uno de los gigantes del metal.
Descubrí este disco por culpa de un amigo metalero que lo describía con tanta pasión —intenso, melódico, vertiginoso— que terminé comprándolo a ciegas en una tienda, porque después de ponerme los dientes largos… ¡no me lo quiso prestar!. Aquella noche, al llegar a casa, lo puse y me voló la cabeza: nunca había escuchado algo tan rápido, limpio, desbordante y emocional al mismo tiempo.
Probablemente Running Wild —junto con Iron Savior— haya sido la banda más consistente de todas las que aparecen en esta lista. Entre 1987 y 1998 lanzaron ocho álbumes que rozan la perfección uno tras otro. Elegir solo uno de ellos es tarea casi imposible, pero al final me he quedado con Black Hand Inn: un disco variado, inspirado, y uno de los que mejor representan su imaginería y estética pirata.
De todas las bandas de esta lista, Gamma Ray es probablemente la que más he escuchado a lo largo de los años. Siempre me ha fascinado su estilo inconfundible, capaz de mezclar múltiples vertientes del metal sin perder identidad.
Reconozco que nunca he sido un gran fan de Helloween. A pesar de su fama y su enorme legión de seguidores, siempre me ha parecido una banda algo irregular, con una discografía que combina luces y sombras. Pero hay una excepción clara: el EP y sus tres primeros discos son auténticas obras maestras del metal europeo.
Primal Fear es la banda que Ralf Scheepers formó junto a Mat Sinner tras su salida de Gamma Ray, y fue, sin duda, la decisión correcta. Su estilo vocal —poderoso, agudo y teatral— no terminaba de encajar en el metal más desenfadado y experimental de Kai Hansen. En cambio, aquí encuentra su territorio natural: un Power Metal que bascula hacia el Heavy clásico, con claras influencias de Judas Priest, Accept y Iron Maiden.
Probablemente Rage sea la banda más infravalorada de toda esta lista y, al mismo tiempo, la que más riesgos artísticos ha asumido a lo largo de su carrera. Comandada por el genial Peter “Peavy” Wagner, ha contado siempre con músicos de primer nivel y una visión propia del metal: técnica, melódica y profundamente emocional.
A primera vista, Heart of Darkness podría parecer un disco simple, directo, sin demasiados secretos. Pero cuanto más se escucha, más se abre su arquitectura interna: un trabajo lleno de matices, con una ejecución impecable y un equilibrio perfecto entre el Heavy/Power metal clásico y pasajes más atmosféricos, casi experimentales, que envuelven el álbum en una oscuridad magnética.
Edguy es una de esas bandas que siempre han orbitado a cierta distancia de mis escuchas habituales. Sin embargo, cada vez que me acerco a ellos percibo algo innegable: talento, energía y una forma muy personal de entender el Power Metal.
Si alguien te pone este disco sin decirte el nombre de la banda, jurarías que estás escuchando a Blind Guardian. Lo digo con conocimiento de causa porque a mí me pasó. Dreamland Manor suena tan a la época dorada de los Guardian que podría pasar perfectamente por el sucesor perdido de Imaginations from the Other Side.
En 1983, ZZ Top decidieron reinventarse. Tras más de una década de riffs polvorientos, boogie sureño y blues rock crudo, los barbudos de Texas dieron un salto hacia el futuro con un disco que transformó por completo su carrera: Eliminator. La imagen de aquel coche rojo brillante —convertido en icono visual gracias a la MTV— resumía lo que estaba por venir: velocidad, energía y un viaje directo a los años ochenta sin perder el alma tejana por el camino.
El debut de Cannibal Corpse nació en un contexto particularmente fértil: Tampa (Florida), finales de los 80, cuando el thrash se oscurecía y aceleraba hasta descomponerse en algo nuevo. Eaten Back to Life salió en agosto de 1990 bajo Metal Blade Records y se grabó en los míticos Morrisound Studios, el laboratorio donde Scott Burns definió el sonido del death metal temprano.
Con Butchered at Birth, Cannibal Corpse dio un salto decisivo: abandonó las últimas raíces del thrash y entró de lleno en un death metal puro, áspero y cavernoso. Grabado de nuevo en Morrisound Studios con Scott Burns a los mandos, el disco alcanzó una densidad sonora que influiría en incontables bandas en los años siguientes.
Tomb of the Mutilated suele describirse como el canon del death metal. No es exageración: este disco fijó la estética, el sonido y la estructura que definirían al género durante décadas. Grabado de nuevo en Morrisound Studios con Scott Burns, representa la cristalización de un lenguaje que Cannibal Corpse llevaba dos álbumes intentando inventar.
Si Tomb of the Mutilated es el canon, The Bleeding es el refinamiento. Grabado otra vez en Morrisound Studios pero con un cambio decisivo en la producción —esta vez a cargo de Scott Burns junto a la propia banda y con un enfoque más audaz en la mezcla— el disco suena nítido, definido y extraño. Es el álbum más accesible de su primera etapa sin dejar de ser un muro de violencia y quizá el mejor de su discografía.
